Antonio Machado

 Antonio Machado (1875 - 1939)  

Nace en Sevilla. A los ocho años se trasladó a Madrid. Visitó en varias ocasiones París, donde conoció la obra de los simbolistas franceses. Fue Catedrático de Francés en Soria (donde se casó con Leonor) hasta la temprana muerte de su mujer. Deseoso de abandonar Soria, solicita traslado y es destinado a Baeza (Jaén). Más tarde, marcha a Segovia. Firme partidario de la República, debió exiliarse a Colliure (Francia) durante la Guerra Civil, y allí murió.

 Obra 

Lo mejor de su obra lírica se encuentra en sus dos primeros libros:

- Soledades, Galerías y otros poemas (1912). Esta primera obra pertenece al Modernismo simbolista. Trata los temas del paso del tiempo, la melancolía, Dios y, sobre todo, la muerte, una constante en su obra. Se vale de algunos símbolos como la tarde o la fuente, que encierran su concepto de tiempo.

- Campos de Castilla (1912). A los temas anteriores se le une el de Castilla. Se observan descripciones subjetivas de paisajes y una actitud crítica (atraso y pobreza, denuncia de los problemas del país...) También apreciamos hermosas composiciones dedicadas a su mujer, Leonor, en las que a través del paisaje se muestra el estado de ánimo del poeta. 

En poemas posteriores escribió también teatro y prosa. La Lola se va a los puertos, escrita junto a su hermano Manuel. En cuanto a prosa sobresale Juan de Mairena, conjunto de reflexiones que el maestro que da nombre a la obra ofrece a sus alumnos sobre los más diversos temas.

 Temas 

- El tiempo es, tal vez, la preocupación principal de Machado; el poeta crea distintos símbolos: la fuente, el reloj, el agua, el camino... Le preocupa el tiempo que fluye, que pasa, pero que siempre es igual a sí mismo: niños, fuentes, corrientes, norias... Machado definió la poesía como palabra esencial en el tiempo. Así, la esencia del ser humano se encuentra, precisamente, en su conciencia temporal. Mediante el lenguaje poético se capta lo propio de las cosas en su devenir.

- La soledad, compañera del poeta (yo era un niño / y tú mi compañera).

- El sueño (de la vigilia) como forma de conocimiento, de acercamiento a la realidad profunda de las cosas.

- El amor evocado. Destacan los poemas dedicados a Leonor tras su muerte.

- Dios, desde una doble perspectiva: por un lado, sufre una crisis de fe a la muerte de Leonor; por otro, medita constantemente sobre la existencia y la noción de Dios. Así, confesará estar "siempre buscando a Dios entre la niebla". 

Los sentimeintos que el poeta refleja (angustia, soledad, melancolía) son consustanciales al ser humano, que se pregunta por su destino y el sentido, de su existencia que transcurre. Su poesía refleja, por lo tanto, lo que el poeta denominó universales del sentimiento, que son las grandes emociones que afectan al alma en su contacto con el mundo. Estos universales del sentimiento se refieren generalmente a tres grandes temas: el tiempo, la muerte y Dios. El Dios que aparece en la obra de Machado es a menudo un sueño, un deseo que , no obstante, no se hace presente de forma clara.

 Estilo 

El estilo machadiano se caracteriza por la presencia de símbolos. Los principales son la tarde (que representa su angustiado y melancólico estado de ánicmo), el reloj o el agua (en los que se aprecia su obsesión por el paso del tiempo y la muerte). La sencillez formal y métrica aporta la esencialidad y la sobriedad características del 98. En este sentido, son habituales los poemas en alejandrinos y la silva-romance. Su  poema · La tierra de Alvargonzález" marca un hito en la recuperación del romance (y, por extensión, de la lírica tradicional) para la poesía culta. 

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Este poema de Soledades, Galerías y otros poemas,  evoca el estado de ánimo del poeta. Se pregunta con angustia por el origen de sus preocupaciones existenciales.

LXXVII

Es una tarde cenicienta y mustia,

destartalada, como el alma mía;

y es esta vieja angustia

que habita mi usual hipocondría.

La causa de esta angustia no consigo

ni vagamente comprender siquiera;

pero recuerdo, y, recordando digo:

- Si, yo era niño, y tú, mi compañera.

Y no es verdad, dolor, yo te conozco,

tú eres nostalgia de la vida buena

y soledad de corazón sombrío,

de barco sin naufragio y sin estrella.

Como perro olvidado que no tiene

huella ni olfato y yerra 

por los caminos, sin camino, como

el niño que en la noche de una fiesta

se pierde entre el gentío

y el aire polvoriento y las candelas

chispeantes, atónito, y asombra

su corazón de música y de pena,

así voy yo, borracho melancólico, 

guitarrista lunático, poeta,

y pobre hombre en sueños,

siempre buscando a Dios entre la niebla.

Juan Ramón Jiménez

 Juan Ramón Jiménez (1881 - 1958) 

Nace en Moguer (Huelva) y marchará a Sevilla y Madrid (a "luchar por el Modernismo") y Burdeos (a un sanatorio mental, tras la muerte de su padre), aunque regresara a Moguer en 1905. Se casa con Zenobia Camprubí en 1916. Recibe el premio Nobel en 1956. Tres días más tarde muere Zenobia y sólo dos años después, fallece Juan Ramón en Puerto Rico.

 Obra 

El propio Juan Ramón Jiménez propuso dos clasificaciones de su obra:

- En Eternidades (1916) divide su producción en cuatro etapas: poesía pura, etapa modernista, etapa progresiva simplificación y poesía desnuda. 

- Posteriormente, la clasifica en tres etapas, aun que la producción de Juan Ramón se caracteriza por una unidad, fruto de su afán revisionista:

• Etapa sensitiva (hasta 1916, fecha de Diario de un poeta recién casado). Se distinguen a su vez dos momentos: 

1. Primeros libros. Obras teñidas de tristeza muy influidas por Bécquer y por los simbolistas franceses. Se incluyen en esta época títulos como Arias tristes, Jardines lejanos o Elegías.
2. En un segundo momento, aparecen los temas típicos del Modernismo, pero tratados de forma personal: la belleza, el amor, los pájaros, las flores. Destaquemos La Soledad sonora (1911), Poemas májicos y dolientes (1909 - 1911), Poemas agrestes (1910 - 1911), Sonetos espirituales (1914 - 1917) y Estío (1915), en los que se aprecian rasgos de mayor depuración . En prosa poética escribe por entonces Platero y yo, visión armónica del hombre y de la naturaleza a través de la cual cuenta sus vivencias en Moguer.

• Etapa intelectual (1916 - 1936). Es una poesía más conceptual y compleja de la anterior, dedicada a la minoría siempre. Los títulos mas significativos son Diario de un poeta recién casado (1916), Eternidades (1916 - 1917) y Piedra y cielo (1917 - 1918). Se trata de poemarios de raíz simbolista en los que el poeta siente deseos de renombrar las cosas para descubrir su pureza original. De ahí la llamada a la intelijencia para que le dé el nombre exacto de las cosas. Destaca la presencia del mar, símbolo del eterno tiempo presente, de la unidad del cosmos, del ansia de eternidad.
• Etapa suficiente. Formada, entre otras, por Animal de fondo (1949) y Dios deseado y deseante (1957). Nos presenta un poeta obsesionado por el tema de la vida poética, de la eternidad, del deseo de transcendencia en su obra. El escritor-poeta se vuelve poesía, se crea  sí mismo al escribir: es un dios porque crea, es creador (dios deseante); también es un dios a partir de lo que ha creado (dios deseado).

 Estilo 

Para Juan Ramón la poesía es belleza, conocimiento y ansia de eternidad:

- Belleza. La búsqueda y la expresión de lo bello lo convierten en un poeta conscientemente minoritario. Se ha hecho famosa la dedicatoria de sus obras: A la minoría siempre.

- Conocimiento. Su poesía implica un intenso deseo de profundizar en el auténtico ser de las cosas, en su esencia íntima. Emplea el símbolo.

- Ansia de eternidad. El poema, eterno y perdurablemente bello, sobrevive a la muerte. El poeta se hace eterno al escribir, ya que vive en la memoria.

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Este poema recoge un motivo recurrente en su producción: la muerte.

Viaje definitivo

... Y yo me iré. Y se quedarán los pájaros

cantando;

y se quedará mi huerto, con su verde árbol,

y con su pozo blanco.

Todas las tardes, el cielo será azul y plácido;

y tocarán, como esta tarde están tocando,

las campanas del campanario.

Se morirán aquellos que me amaron;

y el pueblo se hará nuevo cada año;

y en el rincón aquel de mi huerto florido y encalado, 

mi espíritu errará, nostálgico...

Y yo me iré; y estaré solo, sin hogar, sin árbol

verde, sin pozo blanco,

sin cielo azul y plácido...

Y se quedarán los pájaros cantando.

Luis Cernuda

 Luis Cernuda (1902 - 1963) 

En la universidad de su ciudad natal, Sevilla, fue alumno de Pedro Salinas, quien le descubrió sus habilidades para la poesía. Molesto por la mala acogida de su primera publicación, se traslada a Madrid y después a Toulousse, donde trabajará como profesor. Partidario de la República, debió exiliarse en 1938. Viajará por Gran Bretaña y Estados Unidos, ejerce la docencia en varias universidades europeas y americanas. Muere en México.

 Obra 

La personalidad de Cernuda se caracteriza  por una mezcla de soledad e hipersensibilidad, y por el eterno conflicto entre la realidad y el deseo. Sus principales influencias proceden tanto de autores románticos como de los clásicos españoles, en especial Garcilaso de la Vega. Se observa en él una voluntad de síntesis muy propia de la Generación del 27.

Su obra se basa en el contraste entre el deseo de realización personal y los límites impuestos por la realidad. Los temas más habituales son la soledad, el deseo de un mundo habitable y, sobre todo, el amor, ya exaltado, ya insatisfecho, ya prohibido. 

Desde 1936, Cernuda reúne sus libros bajo un mismo título: La realidad y el deseo, que se va engrosando hasta su versión definitiva en 1964. Esta obra está formada por varios ciclos:

- Inicios. Aúna la poesía pura (Perfil del aire, 1924 - 1927) y la clásica, influida por Garcilaso (Égloga, elegía y oda, 1927 - 1928).

- Surrealismo. Un río, un amor (1929) y Los placeres prohibidos(1931).

- Plenitud. Su obra capital es Donde habite el olvido (1932 - 1933), un libro desolado, triste y profundamente sincero con un lenguaje ya propio. En esta línea se sitúa Invocaciones a las gracias del mundo (1934 - 1935). Tres temas fundamentales encontrados en esta obra: la belleza de los cuerpos masculinos, el destino del artista y la filosofía de la soledad.

Después de la guerra continúa con su línea de depuración estilística y trata temas como el de la patria perdida, recordada con añoranza o rechazada. Persiste su amargura. De esta época es Desolación de la quimera (1956 - 1935), obra final en la que reafirma todo su pensamiento.

En prosa escribe Ocnos (1942), inolvidable evocación a Sevilla desde la distancia, y Variaciones sobre tema mexicano. Fue también un agudo crítico literario y reputado traductor de autores como Shakespeare.

 Estilo 

Posee Cernuda un estilo muy personal, alejado de las estéticas pasajeras. En sus inicios cultiva la poesía pura, el clasicismo y el Surrealismo, pero a partir de 1932 inicia un estilo propio, cada vez más sencillo (una sencillez elaborada), basado en un triple rechazo: de los ritmos muy marcados, de la rima, y del lenguaje brillante y sobrecargado de imagenes. Con este estilo el poeta desea acercarse al lenguaje hablado y al tono coloquial. Su influencia posterior, especialmente a partir de la generación de 1950, es enorme.

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Este poema que da título a la obra capital de Cernuda recoge otro de sus temas fundamentales: el olvido. Observa que parte del poema de Bécquer para reelaboralo según sus propias vivencias.

Donde habite el olvido

Donde habite el olvido,

En los vastos jardines sin aurora;

Donde yo sólo sea

Memoria de una piedra sepultada entre ortigas

Sobre la cual el viento escapa a sus insomnios.

Donde mi nombre deje

Al cuerpo que designa en brazos de los siglos, 

Donde el deseo no exista.

En esa gran región donde el amor, angel terrible, 

No esconda como acero

En mi pecho su ala,

Sonriendo lleno de gracia aérea mientras crece el tormento.

Allá donde termine este afán que exige un dueño a imagen suya,

Sometiendo a otra vida su vida,

Sin más horizonte que ojos frente a frente.

Donde pena y dichas no sean más que nombres,

Cielo y tierra nativos en torno de un recuerdo;

Donde al fin quede libre sin saberlo yo mismo, 

Disuelto en la niebla, ausencia,

Ausencia leve como carne de niño.

Allá, allá lejos; 

Donde habite el olvido.

Federico García Lorca

 Federico García Lorca (1898 - 1936) 

Nació en Fuente Vaqueros (Granada). Tras una infancia en la que se impregna de folclore y de las esencias más profundas de Andalucía, ingresa, en 1919, en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Becado por esta institución, en 1929 viaja a Nueva York. De vuelta a España, funda un grupo teatral universitario, La Barraca (1932), para difundir el teatro clásico español. Es fusilado en 1936. Su personalidad tiene dos facetas contrapuestas: de un lado, era optimista y vital; de otro, pesimista, angustiado, íntimamente frustrado. Es autor universalmente conocido tant por su obra poética como por la dramática. 

 Poesía 

Fue un poeta riguroso en el que se aúnaban sabiamente inspiración, conocimiento de los más diversos autores y fuentes, y técnica compositiva. Confluyen en él la capacidad para conocer y asimilar todo tipo de poesía, y la facultad para personalizar y hacer suyos todos los influjos.

  Formalmente, aparecen unidas en su poesía la pasión y la perfección, lo humano y lo estéticamente puro, lo popular y lo culto. Le atrae la poesía tradicional, el cante jondo, los cancioneros de los siglos XV y XVII, la poesía árabe, Góngora, Bécquer, Juan Ramón Jiménez, Machado, Unamuno, Rubén Darío, Neruda...

En su obra de inspiración folclórica encontramos recuerdos de juegos, amores imposibles, evocación melancólica de la niñez, de Andalucía o del mar. En sus composiciones de inspiración personal, será el sentimiento del destino trágico del hombre. Los principales poemarios de Lorca son:

- Canciones (1921 - 1924). Lorca depura y esencializa la lírica popular, que ha podido sentir plenamente en forma de juegos y canciones durante su infancia.

- Poema del Cante Jondo (1921 - 1924, publicado en 1931). Lorca expresa su dolor ante la vida a través de los cantes de nuestra tierra. 

- Romancero Gitano (1924 - 1927, publicado en 1928). Lorca se preocupa por los marginados. Aparece el tema del destino trágico del hombre.

- Poeta en Nueva York (1929 - 1930). Es una obra surrealista, escrita en versos libres que refleja el impacto que esta gran ciudad le produjo. Se advierte el ahogo y la rebelión contra un mundo deshumanizado. Los temas del libro son el materialismo, la esclavitud del hombre por la máquina, la injusticia social, los negros (marginados como los gitanos).

- Soneto del amor oscuro (1935 - 1936). Desarrolla el tema del amor prohibido.

- Llanto por Ignacio Sánches Mejías (1935). Es una gran elegía a la muerte de su amigo torero, donde fusiona lo popular y lo culto.

 Teatro 

El conjunto de su obra es un intento constante de depuración y una búsqueda del restablecimiento de la pureza original del teatro clásico y popular en el mejor sentido de la palabra. Gracias al valor universal de su teatro, Lorca se ha convertido en uno de los dramaturgos españoles más conocidos de todos los tiempos, un clásico cuyas piezas siguen representando las  compañías teatrales más reconocidas del mundo.

El teatro de Lorca tiene tres principios:

1. Depurar el teatro poético. No escribió teatro en verso (en sus obras más representativas), pero supo emplear la expresión adecuada para evocar los ambientes en los que se sitúa la acción. La incorporación de ritmos y formas populares a través de canciones, letrillas, letanías o coros conecta su producción, por otra parte, con el teatro clásico, también poético por excelencia.
2. Integrar en su dramaturgia tanto las tendencias vanguardistas como los rasgos propios del teatro tradicional. Sin embargo, lo que destaca en Lorca es su habilidad para armonizar y hacer suyos estilos muy diversos.
3. Acercar el teatro al pueblo.

En cuanto a la temática, Lorca elige a la mujer como protagonista principal.

Ésta suele representar el ansia de libertad en una sociedad patriarcal y machista; una mujer marcada siempre por un destino trágico y por pasiones que se verán condenadas al olvido o al rechazo.

En líneas generales, se produce un enfrentamiento de dos series de fuerzas que han sido designadas por la crítica como principio de autoridad y principio de libertad: por un lado, orden, tradición, realidad y colectividad; por otro, instinto, deseo, imaginación, individualidad. A ellos se suma la fuerza del amor, normalmente imposible, planteado sobre el conflicto entre el deseo y la realidad, la libertad y la autoridad. Como consecuencia, surge la frustración, que aparece en todas las obras y es el eje fundamental de sus mejores piezas: Bodas de Sangre (amor frustrado), Yerma (maternidad frustrada) y La Casa de Bernarda Alba (amor y libertad frustrados).

Vicente Aleixandre

 Vicente Aleixandre (1898 - 1984) 

Aunque nació en Sevilla, su familia se trasladó a Málaga y luego a Madrid, donde, tras estudiar Derecho y Económicas, se dedicó a la literatura. En 1934 se le otorgó el Premio Nacional de Literatura. Ingresó en la Real Academia Española en 1950. En 1977 recibe el Premio Nobel de Literatura. Murió en Madrid.

 Obra 

En Aleixandre se manifiesta un deseo de integración y comunicación con lo universal, de ahí el paisaje de su poesía. Dicha unión se consigue gracias a dos grandes ejes: el amor y la muerte. Su obra suele dividirse en tres etapas:

- Vanguardista. Aleixandre asume los postulados surrealistas con entera libertad, tanto en la expresión como en la exploración del subconsciente. En la primera etapa de su producción se centra en la imperfección, la angustia y la fragilidad humanas. Aleixandre se muestra panteísta y desea fundirse con la naturaleza como modo de participar en su armonía.

- Abandono del Surrealismo. Se observa una visión solidaria y grandiosa del hombre, el poeta desea convertirse en l a voz del pueblo: Historia del corazón (1945 -1953) y En un vasto dominio (1958 - 4962).

- Período metafísico. Poemas de la consumación (1968) y Diálogos del conocimiento (1974). El poeta añora su juventud y se preocupa por el misterio de la existencia, por el sentido último de la vida y el mundo.

 Estilo 

Destacan en la difícil poesía de Aleixandre las metáforas irresgadas, los símbolos, así como las imágenes visionarias, deslumbrantes y herméticas. Se sirve muy a menudo del versículo, con abundantes estructuras de repetición (paralelismos. anáforas, enumeraciones caóticas). Asimismo, es llamativo el empleo de la conjunción o con valor explicativo: La destrucción o el amor.

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Este hermoso poema de la primera etapa de Aleixandre supone una declaración de amor sin paliativos, in crescendo, hasta la impresionante enumeración caótica final.

Se querían

Se querían.

Sufrían por la luz, labios azules en la madrugada,

labios saliendo de la noche dura,

labios partidos, sangre, ¿sangre dónde?

Se querían en un lecho navío, mitad noche, mitad luz.

Se querían como las flores a las espinas hondas,

a esa amorosa gema del amarillo nuevo,

cuando los rostros giran melancólicamente,

giralunas que brillan recibiendo aquel beso.

Se querían de noche, cuando los perros hondos

laten bajo la tierra y los valles se estiran

como lomos arcaicos que se sienten repasados:

caricia, seda, mano, luna que llega y toca.

Se querían de amor entre la madrugada, 

entre las duras piedras cerradas de la noche, 

duras como los cuerpos helados por las horas,

duras como los besos de diente a diente solo.

Se querían de día, playa que va creciendo,

ondas que por los pies acarician los muslos,

cuerpos que se levantan de la tierra y flotando...

Se querían de día, sobre el mar, bajo el cielo.

Mediodía perfecto, se querían tan íntimos,

mar altísimo y joven, intimidad extensa,

soledad de lo vivo, horizontes remotos

ligados como cuerpos en  soledad cantando.

Amando. Se querían como la luna lúcida,

como ese mar redondo que se aplica a ese rostro,

dulce eclipse de agua, mejilla oscurecida,

donde los peces rojos van y vienen sin música.

Día, noche, ponientes, madrugadas, espacios, 

ondas nuevas, antiguas, fugitivas, perpetuas,

mar o tierra, navío, lecho, pluma, cristal,

metal, música, labio, silencio, vegetal, 

mundo, quietud, su forma. Se querían, sabedlo.

Dámaso Alonso

  Dámaso Alonso (1898 - 1990)

Nació y murió en Madrid. Licenciado en Filosofía y Letras y en Derecho, fue profesor universitario de gran prestigio. Dirigió la Real Academia desde 1968 a 1982. En 1978 se le concedió el premio Cervantes. Escribió en la Revista de Occidente o Los cuatro vientos. Fue uno de los más activos estudiosos de la literatura entre los componentes del 27.

Obra

Comenzó su andadura por los caminos de la poesía pura, pero con la posguerra, da a conocer su obra de mayor calidad: Hijos de la ira (1944). Esta obra contiene una poesía desarraigada que parte del convencimiento de que el mundo no está bien hecho, lo que le provoca angustia y decepción. Está escrita en versículos, en los que el poeta interroga a Dios sin obtener respuesta.

Las ediciones críticas que realizó de Polifemo y las Soledades de Góngora, marcaron un hito en su época.

Estilo

En sus primeras obras, además de seguir los dictados de la poesía pura juanramoniana, se verá influido por la vertiente más popular del maestro Machado; en cambio, en poemas posteriores emplea un lenguaje más rudo y árido, a veces religioso, y de incuestionable rigor formal.

Gerardo Diego (1896 - 1987)

 Gerardo  Diego (1896 - 1987) 

Nació en Santander y fue doctor en Filosofía y Letras y Catedrático de Lengua y Literatura en diversos institutos. En 1925 le condecideron el premio Nacional de Poesía. Fundó una de las revistas vanguardistas más importantes de nuestras letras: Carmen, con suplemento Lola. En 1947 ingresa en la Real Academia Española y en 1956 recibe el premio Nacional de Literatura. Se le concedió el Premio Cervantes de Literatura en 1979. La primera antología publicada sobre la Generación del 27 en 1932 es obra suya. Murió en Madrid.

Obra

La poesía de Gerardo Diego se caracteriza por su sorprendente variedad en  cuanto a técnica, estilo y temas. Escapaz de hacer desde una poesía en la línea más tradicional española, con poemas al estilo de Bécquer o de los modernistas. Éste es un perfecto ejemplo de una de las características fundamentales de los autores del 27: la mezcla entre tradición y originalidad. Entre sus mejores composiciones se encuentran: El romancero de la novia, obra de corte lírico tradicional con innovaciones formales. Destaca por la maestría de sus sonetos; y su mejor obra clasicista, Alondra de verdad (1941).

Estilo

Gerardo Diego es un gran maestro en el arte de versificar y que maneja multitud de estilos y tonos diferentes. En la línea tradicional es conocido por sus canciones de corte popular y sus sonetos de perfecto acabado; en la línea vanguardista presenta una mayor variedad, caracterizada, entre otras cosas, por el verso libre o las técnicas tipográficas de raíz creacionista. Utiliza a la perfección los recursos retóricos, de los que símiles, metáforas, juegos de palabras e imágenes son sus figuras mejor trabajadas.


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Aquí he seleccionado un soneto clásico, de tema amoroso de Alondra de verdad.

Sucesiva

Déjame acariciarte lentamente,

déjame lentamente comprobarte,

ver que eres de verdad, un contiuanrte

de ti misma a ti misma extensamente.

Onda tras onda irradian de tu frente

y, mansamente, a penas sin rizarte,

rompen sus diez espumas al besarte 

de tus pies en la playa adolescente.

Así te quiero, fluida y sucesiva,

mannantial tú de ti, agua furtiva,

música para el taco perezosa.

Así te quiero, en límites pequeños,

aquí y allá, fragmentos, lirio, rosa, 

y tu unidad después, luz de mis sueños.